Avec la collaboration de Clément Bedel et Romain Poirier – commissariat de Aurélie Faure
23.03 – 27.04.2019
A la Galerie Dohyang Lee, Paris, France

Pour le troisième volet de la trilogie, Louis Cyprien-Rials nous emmène dans une faille spatio-temporelle, Au pied du gouffre. Après avoir parcouru les routes d’Afrique de l’Est, observé la violence à travers la fenêtre, c’est dans un désert de solitude que nous terminerons. Seul, face à des paysages abiotiques, le temps passe.
Nous foulons un sol aride, fait de sel ou de lave. La terre gronde. Sur notre chemin, nous croisons les signes et les symboles d’un autre temps, dont nous ignorons la provenance et le sens. Fascinés, nous les scrutons sans comprendre ce qu’ils tentent de nous indiquer, de nous révéler. Il ne s’agit plus d’interroger, d’observer, ou de témoigner. Nous sommes face au vide, face au néant, face au Temps, face à la beauté.

Au pied du gouffre est le dernier chapitre d’une trilogie. Il relie des instants, ici et là-bas. Il annonce un ailleurs.

Dans un premier espace, trois territoires, trois expériences, trois périodes. L’Italie, il y a des millions d’années. Le Japon, en 2007. Le Kazakhstan, en 2016. Un parcours dans les sillons de la mémoire.
Le voyage démarre sur un long tirage pigmentaire qui nous dresse le portrait minéral d’une Pietra Paesina. Une pierre précieuse par sa beauté et l’évasion qu’elle nous offre, la regarder revient à s’égarer dans un imaginaire lithique. S’en suit le nuage noir d’une éruption volcanique figée et abandonnée là. Sa brume charbonneuse donne vue sur le lac, à fleur d’horizon : une eau frissonnante et surprenante par sa teinte. Autour, il n’y a rien. Et pourtant, l’invisible est dense. Le X-ray records en est la matérialité.
Les X-ray records sont des radiographies médicales sur lesquelles sont gravées de la musique. Une technique qui date de l’époque soviétique où la musique est résistance et se vend sous le manteau. Les trois prototypes de Polygon X-ray présentent une musique composée et interprétée par Romain Poirier. Une adaptation qu’il a réalisé pour les X-ray records à partir du thème « Polygon » écrit pour la vidéo éponyme de Louis-Cyprien Rials, tournée en 2016 au Kazakhstan. Une partition pensée en gradation, une mélodie de drone mélancolique surplombant des terres scarifiées par plus de 700 tests nucléaires entre 1949 et 1990, où les vrombissements des basses vont crescendo, rythmés par des temps morts où silence et larsen se confondent, pour nous plonger ensuite dans une violence presque assourdissante, suffocante, écrasante. Un voyage dans les limbes, inspiré par la radioactivité et l’impact des ondes radioactives lors d’explosion.
Trois propositions qui s’apparentent à des obsessions et forment cependant les lignes directrices de projets au long cours, la genèse de projets fondamentaux pour l’artiste. Sa passion pour la géopolitique se traduit par des témoignages où seule une extrême beauté transparait, au point de nous en faire oublier les véritables protagonistes. Cet oubli est le déni symptomatique de notre humanité et signe la fin.

Que reste-il alors ? Il existe un moyen de le savoir : descendre au pied du gouffre.

Descendre, c’est tomber, dégringoler. C’est une chute. C’est aussi changer de niveau. Peut-être devrions-nous cesser d’avoir peur, de la lumière comme des ténèbres, et faire irruption ; se frayer un chemin et ne plus toucher terre, s’immerger pour s’élever.
Tout cela est bien symbolique me direz-vous. Et bien c’est justement dans cet ailleurs que la musique retentissante depuis votre arrivée vous invite à venir vous perdre. Descendez donc. Le gouffre est une profondeur, une profondeur due à un effondrement. L’effondrement de ceux qui ont perdu la foi. Une foi qu’il est encore temps de retrouver à travers les indices laissés par ceux qui nous ont précédés.
Après la nuit est une vidéo réalisée dans plusieurs régions africaines : en Tanzanie, sur le lac Natron situé au pied du Mont sacré des Maasai, en Ouganda, où se trouvent les Nyero Rocks, au Somaliland, dans les grottes de Laas Geel, et en Ethiopie, dans le triangle de l’Afar, de « la dépression de Danakil » à Erta Ale. Les images nous exposent à un va-et-vient entre des paysages hallucinatoires et des peintures rupestres ; entre deux volcans, l’un éveillé, l’autre éteint ; entre les abysses et les sommets. Des lieux hostiles à la vie dont la magnificence est aussi extrême que les conditions pour y accéder et les épier.

Après la nuit est une ode à la contemplation et se fait le prélude de la seconde vidéo Faith Rocks qui tend à l’élévation. Faith Rocks est un montage conçu à partir des plus vieux ensembles de peintures néolithiques dont certaines — très récemment découvertes (2002) et datant de plus de six mille ans — restent encore mystérieuses. Leur origine et leur signification sont inconnues tout en nous laissant y voir de petits bonshommes, les bras grands ouverts et tendus, face à de grands animaux. Un rappel peut-être ?
Un rappel comme ce triptyque réalisé par Clément Bedel sous la gouverne de l’artiste. Le jeune peintre, sensible aux sujets abordés par Louis-Cyprien Rials, a accepté d’appliquer le traitement de sa peinture aux desiderata du photographe et vidéaste.
Ensemble, ils interprètent une fresque réalisée en hommage à un hall vide d’une banque américaine. La figure humaine en est exclue, balayée, dégagée, au profit de ce qui nous rappelle à notre condition, de ces signes auxquels nous ne prêtons plus attention.

Les violences que notre monde subit sont multiples. Elles sont politiques, économiques, climatiques. Face à un monde qui court à sa perte, Louis-Cyprien Rials a fait le choix d’explorer les terres meurtries par la violence, oubliées et vouées à disparaitre, pour revenir et nous offrir à contempler la Beauté. Il fait appel à notre humanité. Seul, nous ne sommes rien. C’est ensemble que nous existerons.

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LOUIS CYPRIEN RIALS – Prix SAM 2017

Avec RAMON FILM PRODUCTIONS – commissariat de Adélaïde Blanc
20.02 – 12.05.2019
Au Palais de Tokyo, Paris, France

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Commissariat de Aurélie Faure
16.03 – 20.04.2019
A la Galerie Eric Mouchet, Paris, France

Collaboration entre la Galerie Dohyang Lee et l’espace d’art contemporain ETE 78, Ixelles, Belgique

Vernissage le Samedi 15 Septembre 2018 à l’espace d’art contemporain ETE 78, Ixelles, Belgique
15.09 – 06.10.2018
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Ouvert les samedis 22.09, 29.09, 06.10 / 14h – 18h et sur rendez vous

Le titre de l’exposition Le temps des pommes fait une référence à la chanson Le temps des cerises *, écrite par Jean Baptiste Clement ( 1836 – 1903 ) en 1867. Cette chanson chante l’été, la beauté de la nature et la nostalgie d’un temps perdu, à l’origine. Elle est ensuite associée à la Commune de Paris **, à cause de son auteur, qui y a participé.
“ Changer le monde, changer la vie pour le bonheur de tous ”, tel fut le rêve des personnes y ayant participé. Pour l’exposition Le temps des pommes les artistes possèdent une réflexion du passé au présent sur le monde et l’histoire sociale, politique, économique, idéologique tout en ayant plus loin une analyse visionnaire.

Né en 1981 à Paris, Louis-Cyprien Rials a étudié le théâtre en France avant de découvrir la photographie au Japon, où il a vécu plusieurs années. Il est le lauréat du Prix SAM PROJECTS 2017.
Son travail rend compte, à travers de photogrpahies et de vidéos, d’un monde sans humains. Tout ce qui reste sont les formes et terrains qui conduisent à la désorientation et la contemplation. Par l’exploration des représentations possibles de paysages issus d’échantillons microscopiques aux images satellites, en changeant l’échelle d’étude, il propose au spectateur un espace aussi libre pour l’imagination que pour les paréidolies. Dans cet univers de l’être oublié et en retraite, cette documentation d’une scénographie abandonnée, de monuments – naturels ou pas – de ruines, de traces inscrites dans la géographie, révèle une partie d’humanité comme vue à travers le prisme de son absence.

Diplômé en 2010 de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, Marcos Avila Forero (né en 1983, à Paris) est invité, en 2017 à la Biennale Viva Arte Viva de Venise (57ème édition) par la curatrice Christine Macel.
La curatrice Daria de Beauvais dit : “ Vidéos, fresques, performances ou installations, les oeuvres de Marcos Avila Forero semblent toujours évoquer un hors-champ : celui d’une rencontre, d’un récit ou d’un parcours dont elles conservent l’empreinte. Ses micro-fictions faites de bric et de broc cherchent moins à démontrer ou documenter qu’à générer une collusion paradoxale entre des temps et des lieux que tout semble opposer. Ce travail tire sa richesse et sa poésie de la fréquentation et du détournement des frontières… À une époque de démultiplication et de dématérialisation des flux, Marcos Avila Forero réinscrit les déplacements et les migrations dans leur durée et leur matérialité, leur redonne un sens et une substance trop souvent négligés… L’humain, que l’artiste place au centre de son oeuvre, est paradoxalement celui qui patiente aux marges, attendant interminablement le bon moment pour sauter le pas.”

Jenny Feal est née en 1991 à La Havane, Cuba et obtient un Master de l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Lyon en 2016. La manière année, elle fut lauréat du prix Renaud pour son installation Te imaginas.
Pour elle, les objets participent de notre vie ordinaire et témoignent d’un parcours non seulement physique ou fonctionnel, mais aussi symbolique. A travers son travail, elle s’approprie des objets existant avec une vie propre et appartenant à un contexte spécifique. Par leur reproduction ou leur détournement, une distance et des expériences d’étrangeté sont provoquées chez le spectateur. La fine frontière entre l’intime et le collectif est établie par l’introduction de thématiques et d’objets banals du quotidien chargés de plusieurs dimensions : symbolique, historique, sociale et politique. Cuba est pour l’artiste un référent et une source inépuisable.

Sun Choi, né en 1973, vit à Séoul, Corée du Sud. Il est diplomé de l’université Hongik, à Séoul en 2003. Il remporta le Grand Prix du SongEun Award en 2013.
Pour Sun Choi “ l’artiste se posait de vagues questions sur l’art. Et il a fait des efforts pour que ces questions soient plus claires et les mettre en pratique. En laissant derrière l’irrationalité passée de l’art contemporain coréen, qui chevauche même son temps, il a trouvé difficile de comprendre ce que l’art est et ce qui doit être appellé artistique. Devant le vague crée par la conception, tournée vers l’Occident, de l’art, la misère de la réalité que vous et moi peuvent témoigner est paradoxalement artistique. Il y’a deux facteurs en conflit, qui existent dans le même temps dans son “travail” qui est présenté comme art : visible et invisible, matériel et immatériel, clair et obscur, artistique et inartistique. Il crée des oeuvres d’art dans l’espoir que “ l’art ” disparaitra.”

RohwaJeong, formé par Yun-hee Noh (Séoul, 1981) et Hyeon-seok Jeong (Séoul, 1981), est un couple d’artistes visuels de Séoul, Corée du Sud. Plus qu’un duo, c’est un être unique et indissociable. Leur travail observe et souligne les relations qui évoluent dans le temps et dans l’espace et s’efforce à les capturer de façon effective. En particulier, ils essaient de sonder les relations humaines et de disséquer les conflits qui naissent entre les individus. C’est une tentative de s’éloigner de la pensée subjective et des regards violents qui interprètent tous les phénomènes alentour avec paresse et a priori. En conséquence, une situation ou un état peut parfois induire des interprétations différentes au regard des relations. En 2019, le duo participe notamment à la 12ème Biennale de Gwangju, Imagined Borders, en Corée du Sud.

Paula Castro, née à Buenos Aires en 1978, vit et travaille dans la même ville. Elle aborde le dessin à travers des concepts composés de points et de lignes. Représentations du domaine de l’imaginaire et du mental, le monde est interprété comme un “ corps ” d’infinis points sur lesquels la surface est en mouvement dans le temps et l’espace. Choses trouvées (sons, photographies, mots, lieux) sont les points de départ de ses oeuvres. Formes et pensées changent constamment et se transforment en un tout organique de lignes et de points, d’idées et de concepts, de lieux imaginaires et réels. Ses dessins sont le résultat d’une modification visuelle ou d’une réunion mystérieuse entre la littérature et le trait.

Charlotte Seidel, née en 1981 à Hambourg, en Allemagne, vit et travaille à Paris. Cette artiste cultive, selon Isaline Vuile, un art sensible de l’invisible, de l’absence et de l’éphémère, intervenant souvent in situ de manière poétique pour magnifier des détails. Créant des petites intensités qui émergent du flot continu d’évènements et d’images qui nous entoure, Charlotte Seidel prend comme matériau le réel de la vie, un quotidien parfois banal, des histoires communes, dont elle isole des éléments connus mais auxquels on ne fait pas forcément attention. Invitant à porter sur notre environnement un regard plus attentif, la pratique de Charlotte Seidel compose, pièce après pièce, quelque chose que l’on pourrait qualifier de poétique du quotidien.

Kihoon Jeong est né en 1980 et vit et travaille actuellement à Séoul, en Corée du Sud. Le monde de l’œuvre de Kihoon Jeong concerne une attitude / action unique qui résiste à un système énorme, à des groupes standardisés, à une culture unifiée et à une réglementation forcée. Son travail commence par la question suivante : que ferions-nous si nous ne sommes pas en mesure de transformer la structure sociale et les coutumes à la dimension collective?
Il va à l’encontre de la vanité, des choses négligées, de l’activité irrégulière et de la logique du marché en tentant de modifier à la minute des unités microscopiques à un niveau partiel et de reculer depuis la logique du pouvoir au sein de la structure sociale.

Yangachi est né 1970 à Busan en Corée du Sud et est diplômé d’un B.F.A en sculpture de l’Université de Suwon et d’une maîtrise en arts médiatiques de l’Université Yonsei, à Séoul. Il s’intéresse à l’écran, au film, à la surveillance. L’artiste accumule des épisodes, recueille des informations et les transforme en “ signes ” pour les éditer par séquence. Il procède ensuite à des superposition de signes et les met dans une relation de fonction explicative. Yangachi étend sa réalité et ses expériences et les reflètent dans la société coréenne contemporaine pour la critiquer.

Afour Rhizome (ou A4 Rhizome ou A4rizm) est un des noms d’artiste choisi par Kyoo Seok Choi (né à Séoul, Corée du Sud, en 1976), diplomé de l’Université Paris VIII. Ce nom plutôt neutre désigne son travail et son projet d’une construction des archives de savoirs, des œuvres d’art et de soi. Le choix de nom pose la question : “ qu’est-ce qu’un artiste ? ”
Une de ses oeuvres s’appelle Boules de Dictionnaire où une feuille du dictionnaire Le Petit Robert “ récupérée ” est transformée en une boule en gardant la visibilité du numéro de page, elle est rangée dans une boîte à bijoux “ récupérée ” et est présentée. Quelques boules sont vendues à la pièce avec un prix fixé librement par l’acheteur au marché aux puces. Les parcours de ces objets, les prix de vente, les dates et les lieux de vente, les noms, les adresses email de l’acheteur et le détail des dépenses sont documentés. Ce document est intégré dans le processus de construction de cette œuvre elle-même et est également exposé en tant qu’élément de l’œuvre.

* NB : https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Temps_des_cerises_(chanson)
** NB : https://fr.wikipedia.org/wiki/Commune_de_Paris_(1871)

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