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éco (…..) éco (…..) éco (…….) – volet I

Dohyang Lee — Fri, 30 Sep 2022 11:39:08 +0000

éco (…..) éco (…..) éco (…….) volet I

Exposition collective avec
Amalia Laurent, Clarissa Baumann, Elisabeth S. Clark, Emma Passera, Emmanuel Tussore, Guillaume Lépine, Jenny Feal, Joon Yoo, Julia Gault, Laure Tiberghien, Laurent Fiévet, Marcos Avila Forero, Masahiro Suzuki, Minja Gu, Minjung Kim, Mijung Shin, Namhee Kwon, Radouan Zeghidour, Yue Yuan, Zohreh Zavareh

15.10 – 19.11.2022

« Notre maison brûle et nous regardons ailleurs »1

La Galerie Dohyang Lee vous invite au premier volet de l’exposition collective éco (…..) éco (…..) éco (…….). Pour ce titre qui aborde une trinité de notions, volontairement dissimulées pour laisser libre l’imagination de chacun.e, nous proposons une interprétation en sachant que éco2 est un préfixe qui vient du grec ancien oîkos3 (maison).

Nous suggérons ainsi une analogie avec la maison (dans le sens du bâtiment architectural), qui se compose de trois grands éléments, la structure, la peau et son environnement.

éco (…..) ou économie4. L’économie charpente et structure les sociétés. En ce sens, elle permet leur existence physique. Comme les structures architecturales, elles peuvent être solidaires entre elles (systèmes communautaires ou communisme), ou au contraire affirmer une audace ostentatoire de puissance (capitalisme). Auguste Choisy (1841 – 1909) souligne l’importance primordiale de la structure en matière d’architecture. La forme architecturale est conditionnée, selon Choisy, par les évolutions sociétales et non par un simple geste purement individuel et arbitraire.

éco (…..) ou écologie5. L’écologie s’assimile à la peau d’une maison, et devient l’interface entre intérieur et extérieur. Elle organise leurs rapports respectifs, et contribue au bien être, à l’équilibre psychologique, physiologique de chaque habitant.e via l’ambiance crée. L’architecte allemand Gottfried Semper (1803 – 1879) insista sur l’importance des matières enveloppantes, à travers ses études sur la polychromie, les ornementations, comme témoignage des arts et des moyens d’expression à un certain temps donné. Notre époque actuelle du début du 21ème siècle étant préoccupée par les questions écologiques, la matérialité de nos revêtements utilisés serait un sujet d’étude pour les générations ultérieures, comme tentative de sauvegarde des ressources naturelles.

éco (…….) ou écosystème6. Nous pouvons voir l’écosystème comme une synthèse où la structure crée un squelette, la peau enveloppant ce squelette. De cette union se forme un environnement intérieur, influencé par la flexibilité ou la rigidité de la structure et la qualité des matériaux de cette peau (visuelles, plastiques…). Cette même peau est en contact avec l’extérieur, ce qui influence le sentiment de sécurité ou d’insécurité. Nous pouvons citer les concepts et réalisations de nombreux architectes pionniers comme Richard Rogers (1933 – 2021) et ses villes durables, comme tentative de réaliser un écosystème urbain pour le présent et le futur.

Les œuvres de la salle principale nous font penser à une cour intérieure, dans le sens de l’atrium romain, avec la présence d’œuvres allusives à la lumière, l’eau, le végétal, tandis que celles du niveau inférieur, essaient d’intégrer la nature mais avec une dominante plus minérale et axées sur l’Histoire et les relations entre l’être humain et la nature.

1. Jacques Chirac (1932 – 2019), IVe Sommet de la Terre, 2 septembre 2002, Johannesburg, Afrique du Sud
2. https://dictionnaire.lerobert.com/definition/eco
3. https://fr.wiktionary.org/wiki/%C3%A9co-
4. https://dictionnaire.lerobert.com/definition/economie
5. https://dictionnaire.lerobert.com/definition/ecologie
6. https://dictionnaire.lerobert.com/definition/ecosysteme

Version imprimable du communiqué de presse

Joon Yoo, Future, 2021, 3 photogravures quadrichromiques ( cyan, jaune, magenta, rose fluorescente) sur papier Hahnemühle 100% cotton, 300 g, dimension de papier 125 x 106cm chaque gravure, dimension de l’image imprimée 110 x 80 cm chaque gravure, édition de 5 + 1 EA
Amalia Laurent, Les Persiennes, 2019, coton, pigment, batik, rotin, impression numérique sur nylon, 50 x 70 cm, pièce unique
Les Persiennes, 2019, coton, pigment, batik, rotin, impression numérique sur nylon, 50 x 70 cm, pièce unique
Minjung Kim, Australian Paper, 2015, film de 16 mm avec un filmeur Oxberry et scanné digitalement, 2’20’’, édition de 5 + 2 EA
Emma Passera, The Hight Priestess, 2022, verre, miroirs, chaussures de pôle dance, œufs en résines avec insectes, 100cm x 45 cm x 30 cm,
pièce unique
Minja Gu, Boiled Potato, 2019 – 2020, installation, 32 pièces, épluchures de pommes de terre bouillies collées sur du carton,
24 x 18 cm chaque pièce, pièces uniques
Joon Yoo, Thinking about movement, 2019, 3 collages de papier architecte sur le papier arche 300g, coloriage en graphite,
31 x 41 cm chaque collage, pièces uniques
Namhee Kwon, Empty notes / Notes vierges, 2001 – 2022, couture et dessin sur tissu, 29,7 x 21 cm, série de pièces uniques
A Portrait of a book / Portrait d’un livre, 2001 – 2022, photographie, cadre, sous verre, 21 x 30 cm, édition de 5 + 2 EA
Zohreh Zavareh, Je l’ai attendu devant un lac, il est arrivé avec des mots en main, 2021, prototype impression sur papier, 147 x 15,5 cm,
édition de 10 + 2 EA
Yue Yuan, Map for your ears, 2021, carte pliable de Paris, stickers bleus, 25 x 11 cm, édition de 3

Emma Passera, The Hight Priestess, 2022, verre, miroirs, chaussures de pôle dance, œufs en résines avec insectes, 100cm x 45 cm x 30 cm,
pièce unique

Yue Yuan, Jardin Anonyme, 2021, installation, 20 impressions sur flyers, 30 x 45 cm chaque.
Diverses plantes, dimensions variables, pièces uniques
Laurent Fiévet, Whistle 14 – Johanna, 2015, loop video, sound, color, 4’05’’, edition of 5 + 2 AP
Clarissa Baumann, Era mar, notes pour un déplacement entre le Palais des Beaux-Arts et les bords de la Seine avec un coquillage porté près de l’oreille, 2015, archives de la performance plan d’évasion, plan d’invasion, plan d’appropriation ; tirage en jet d’encre Pigmentaire P20 000 sur Museum Etching Hahnemühle 350g, contrecollage sur Dibond, 20 x 30 cm, édition de 5 + 2 EA
Elisabeth S. Clark, Afterword, 2016, transfert à sec de lettrages sur tissu mat couvert de silicone, agrafes, scotch fluorescent rose 16 x 25 cm, édition de 5 + 2 EA. Cartes postales couleurs, pièces uniques

Laurent Fiévet, Whistle 14 – Johanna, 2015, vidéo en boucle, son, couleur, 4’05’’, édition de 5 + 2 EA

Yue Yuan, Jardin Anonyme, 2021, installation, 20 impressions sur flyers, 30 x 45 cm chaque. Diverses plantes, dimensions variables, pièces uniques

Clarissa Baumann, Era mar, notes pour un déplacement entre le Palais des Beaux-Arts et les bords de la Seine avec un coquillage porté près de l’oreille, 2015, archives de la performance plan d’évasion, plan d’invasion, plan d’appropriation ; tirage en jet d’encre Pigmentaire P20 000 sur Museum Etching Hahnemühle 350g, contrecollage sur Dibond, 20 x 30 cm, édition de 5 + 2 EA
Elisabeth S. Clark, Afterword, 2016, transfert à sec de lettrages sur tissu mat couvert de silicone, agrafes, scotch fluorescent rose 16 x 25 cm, édition de 5 + 2 EA. Cartes postales couleurs, pièces uniques

Emma Passera, The Hight Priestess, 2022, verre, miroirs, chaussures de pôle dance, œufs en résines avec insectes, 100cm x 45 cm x 30 cm,
pièce unique
Yue Yuan, Jardin Anonyme, 2021, installation, 20 impressions sur flyers, 30 x 45 cm chaque. Diverses plantes, dimensions variables, pièces uniques
Laurent Fiévet, Whistle 14 – Johanna, 2015, vidéo en boucle, son, couleur, 4’05’’, édition de 5 + 2 EA
Clarissa Baumann, Era mar, notes pour un déplacement entre le Palais des Beaux-Arts et les bords de la Seine avec un coquillage porté près de l’oreille, 2015, archives de la performance plan d’évasion, plan d’invasion, plan d’appropriation ; tirage en jet d’encre Pigmentaire P20 000 sur Museum Etching Hahnemühle 350g, contrecollage sur Dibond, 20 x 30 cm, édition de 5 + 2 EA
Elisabeth S. Clark, Afterword, 2016, transfert à sec de lettrages sur tissu mat couvert de silicone, agrafes, scotch fluorescent rose 16 x 25 cm, édition de 5 + 2 EA. Cartes postales couleurs, pièces uniques
Joon Yoo, Future, 2021, 3 photogravures quadrichromiques ( cyan, jaune, magenta, rose fluorescente) sur papier Hahnemühle 100% cotton, 300 g, dimension de papier 125 x 106cm chaque gravure, dimension de l’image imprimée 110 x 80 cm chaque gravure, édition de 5 + 1 EA
Amalia Laurent, Les Persiennes, 2019, coton, pigment, batik, rotin, impression numérique sur nylon, 50 x 70 cm, pièce unique
Les Persiennes, 2019, coton, pigment, batik, rotin, impression numérique sur nylon, 50 x 70 cm, pièce unique

Amalia Laurent, Les Persiennes, 2019, coton, pigment, batik, rotin, impression numérique sur nylon, 50 x 70 cm, pièce unique
Les Persiennes, 2019, coton, pigment, batik, rotin, impression numérique sur nylon, 50 x 70 cm, pièce unique

Amalia Laurent, Les Persiennes, 2019, coton, pigment, batik, rotin, impression numérique sur nylon, 50 x 70 cm, pièce unique
Les Persiennes, 2019, coton, pigment, batik, rotin, impression numérique sur nylon, 50 x 70 cm, pièce unique
Minjung Kim, Australian Paper, 2015, film de 16 mm avec un filmeur Oxberry et scanné digitalement, 2’20’’, édition de 5 + 2 EA
Laure Tiberghien, Météores #3, 2021, tirage chromogène unique, cadre, sous verre, 50 x 60 cm, pièce unique
Météores #5, 2021, tirage chromogène unique, cadre, sous verre,
50 x 60 cm, pièce unique
Emma Passera, The Hight Priestess, 2022, verre, miroirs, chaussures de pôle dance, œufs en résines avec insectes, 100cm x 45 cm x 30 cm, pièce unique

Minjung Kim, Australian Paper, 2015, film de 16 mm avec un filmeur Oxberry et scanné digitalement, 2’20’’, édition de 5 + 2 EA

Laure Tiberghien, Météores #3, 2021, tirage chromogène unique, cadre, sous verre, 50 x 60 cm, pièce unique
Météores #5, 2021, tirage chromogène unique, cadre, sous verre, 50 x 60 cm, pièce unique

Minja Gu, Boiled Potato, 2019 – 2020, installation, 32 pièces, épluchures de pommes de terre bouillies collées sur du carton,
24 x 18 cm chaque pièce, pièces uniques
Joon Yoo, Thinking about movement, 2019, 3 collages de papier architecte sur le papier arche 300g, coloriage en graphite,
31 x 41 cm chaque collage, pièces uniques
Namhee Kwon, Empty notes / Notes vierges, 2001 – 2022, couture et dessin sur tissu, 29,7 x 21 cm, série de pièces uniques
A Portrait of a book / Portrait d’un livre, 2001 – 2022, photographie, cadre, sous verre, 21 x 30 cm, édition de 5 + 2 EA
Zohreh Zavareh, Je l’ai attendu devant un lac, il est arrivé avec des mots en main, 2021, prototype impression sur papier, 147 x 15,5 cm,
édition de 10 + 2 EA

Joon Yoo, Thinking about movement, 2019, 3 collages de papier architecte sur le papier arche 300g, coloriage en graphite,
31 x 41 cm chaque collage, pièces uniques
Namhee Kwon, Empty notes / Notes vierges, 2001 – 2022, couture et dessin sur tissu, 29,7 x 21 cm, série de pièces uniques
A Portrait of a book / Portrait d’un livre, 2001 – 2022, photographie, cadre, sous verre, 21 x 30 cm, édition de 5 + 2 EA
Zohreh Zavareh, Je l’ai attendu devant un lac, il est arrivé avec des mots en main, 2021, prototype impression sur papier, 147 x 15,5 cm,
édition de 10 + 2 EA

Yue Yuan, Map for your ears, 2021, carte pliable de Paris, stickers bleus, 25 x 11 cm, édition de 3

Zohreh Zavareh, L’avenir dans l’oeuf, 2021, coquille d’oeuf, silicone, dimensions variables, pièces uniques

Marcos Avila Forero, Arquitecturas de la memoria, 2013, photographie contrecollée sur aluminium, encadrement en bois, caisse américaine, 40 x 60 cm, édition de 30 + 3 EA. Récit, édition Les Amis du Palais de Tokyo / GDM… pièce unique.
Collection Artothèque de Brest
Radouan Zeghidour, Dégradation, 2021, céramique, émail, 30 x 26 cm environ, pièce unique

Marcos Avila Forero, Arquitecturas de la memoria, 2013, photographie contrecollée sur aluminium, encadrement en bois, caisse américaine,
40 x 60 cm, édition de 30 + 3 EA. Récit, édition Les Amis du Palais de Tokyo / GDM… pièce unique. Collection Artothèque de Brest
Radouan Zeghidour, Sans titre, 2022, latex, 68 x 27 cm environ, pièce unique

Clarissa Baumann, Spiralooping, notes pour un mouvement inspiré d’une visite au Spiral Jetty de Robert Smithson,2017, tirage en jet d’encre pigmentaire – Epson P20 000 sur Ultra Smooth Hahnemühle 305g, 35 x 55 cm, édition de 10 + 2 EA
Spiralooping, 2017, vidéo HD, boucle, couleur, son, 3’30’’, édition de 5 + 2 EA
Emmanuel Tussore, Tas de béton, 2021, installation de sculptures en béton, dimensions variables, pièces uniques
Zohreh Zavareh, Costume d’intranquilité pour le personnage principal, 2021, tissu,
peinture acrylique, chaise en bois, dimensions variables, pièces uniques
Emmanuel Tussore, Tas de béton, 2021, sculpture en béton, dimensions variables, pièce unique

Zohreh Zavareh, Costume d’intranquilité pour le personnage principal, 2021, tissu,
peinture acrylique, chaise en bois, dimensions variables, pièces uniques

Masahiro Suzuki, Fragments encadrés N° 1-2 : évolutifs, 2022 (2017 à Montrouge), tissu flammé en coton tissé (Chita à Aichi, Japon). Teinture végétale d’indigotier (Indigo Design à Rudrapur, Inde]) montée avec du henné. Encre végétale avec sciures d’archet du pernambouc. Corde trouvée au Vieux port et teinte. Marbres collectés à Carrare lors du voyage à vélo en 2013, coquille trouvée sur la Côte bleue et recollée avec la colle teinte, petite branche et pierres de bauxite collectées à Sommières (Gard), chutes de toile ramassées dans l’atelier La Calade à Marseille, petits lichens glanés à La Motte-Leyrat (Creuse), 17,9 × 17,3 × 6,9 cm, La Motte-Leyrat (Creuse), France.
Fragments encadrés N° 0 : évolutifs, 2022 (2017 à Marseille), caillou de l’ami Joppe, résidus de peinture collectés, bouchon en plastique brûlé trouvé sur la Côte bleue et peint, verre cassé, peint et recollé, débris de mur ramassé à Alexandrie (Égypte), chutes de toile ramassées dans l’atelier La Calade à Marseille, débris en brique trouvé dans la ruine de Notre-Dame de la Salette à Marseille, carton teint au Quesnel-Aubry (Picardie). bois industriel, 16,3 × 16,8 × 7 cm, La Motte-Leyrat (Creuse), France
Assemblage N° 4-1 : revisité, 2022 (2015 à Aix-en-Provence), tissu en coton sergé et Canevas (Chita à Aichi [Japon]), toile du coton du Boesner, vieux draps datés de l’année 1908. Teinture végétale d’indigotier (Indigo Design à Rudrapur [Inde]) montée avec du henné. Encres végétales : racines de garance récoltées et broyées à Lauris (Luberon), pétales du sophora japonica ramassées à Lourmarin (Luberon), cosmos récolté au Couvent – Ateliers Juxtapoz à Marseille, sciures d’archet du pernambouc, extrait de chlorophylle de mûrier d’Inde, bois de campêche, bois de sappan. Boite en châtaignier, 22 × 17 × 6 cm, La Motte-Leyrat (Creuse), France

Emmanuel Tussore, Tas de béton, 2021, installation de sculptures en béton, dimensions variables, pièces uniques

Emmanuel Tussore, Tas de béton, 2021, sculpture en béton, dimensions variables, pièce unique

Clarissa Baumann, Spiralooping, 2017, vidéo HD, boucle, couleur, son, 3’30’’, édition de 5 + 2 EA

Emmanuel Tussore, Tas de béton, 2021, sculpture en béton, dimensions variables, pièce unique
Marcos Avila Forero, Arquitecturas de la memoria, 2013, photographie contrecollée sur aluminium, encadrement en bois, caisse américaine,
40 x 60 cm, édition de 30 + 3 EA. Récit, édition Les Amis du Palais de Tokyo / GDM… pièce unique. Collection Artothèque de Brest
Radouan Zeghidour, Sans titre, 2022, latex, 68 x 27 cm environ, pièce unique
Jenny Feal, Frappez Fort, 2020, détail livres, faïence, éponge, 37 x 25 x 20 cm, pièces uniques. Production Fondation d’entreprise Martell
Julia Gault, La goutte chargée de terre, 2022, terre de faïence crue, fil, tubes de cuivre, collier de canalisation en acier, dimensions variables (collier de 23 mètres de long), pièce unique
Guillaume Lépine, Pâtisserie (12 x 16) #2, 2022, peinture acrylique sur panneau de bois, 40,6 x 25,4 cm, pièce unique
Encres marbrées (24), 2022, impression numérique sur tissu (cotton gauze), 139 x 182 cm, pièces uniques
Encres marbrées (12), 2022, impression numérique sur tissu (cotton canvas), 139 x 182 cm, pièces uniques
Encres marbrées (2), 2022, impression numérique sur tissu (cotton gauze), 139 x 182 cm, pièces uniques
Radouan Zeghidour, Dégradation, 2021, céramique, émail, 30 x 26 cm environ, pièce unique

Radouan Zeghidour, Sans titre, 2022, latex, 68 x 27 cm environ, pièce unique
Jenny Feal, Frappez Fort, 2020, détail livres, faïence, éponge, 37 x 25 x 20 cm, pièces uniques. Production Fondation d’entreprise Martell
Radouan Zeghidour, Sabotage, 2022, céramique, émail, 34 x 27 cm environ,
pièce unique
Namhee Kwon, I am safe / Je suis sauve, 2001 – 2022, photographie, contrecollage sur Dibond, aluminium 2mm, 56,8 x 80 cm, édition de 5 + 2 EA
Julia Gault, La goutte chargée de terre, 2022, terre de faïence crue, fil, tubes de cuivre, collier de canalisation en acier, dimensions variables (collier de 23 mètres de long), pièce unique
Radouan Zeghidour, Dégradation, 2021, céramique, émail, 30 x 26 cm environ, pièce unique

Jenny Feal, Frappez Fort, 2020, détail livres, faïence, éponge, 37 x 25 x 20 cm, pièces uniques. Production Fondation d’entreprise Martell
Radouan Zeghidour, Sabotage, 2022, céramique, émail, 34 x 27 cm environ,
pièce unique
Namhee Kwon, I am safe / Je suis sauve, 2001 – 2022, photographie, contrecollage sur Dibond, aluminium 2mm, 56,8 x 80 cm, édition de 5 + 2 EA
Julia Gault, La goutte chargée de terre, 2022, terre de faïence crue, fil, tubes de cuivre, collier de canalisation en acier, dimensions variables (collier de 23 mètres de long), pièce unique

Jenny Feal, Frappez Fort, 2020, détail livres, faïence, éponge, 37 x 25 x 20 cm, pièces uniques. Production Fondation d’entreprise Martell

Radouan Zeghidour, Sabotage, 2022, céramique, émail, 34 x 27 cm environ,
pièce unique

Julia Gault, La goutte chargée de terre, 2022, terre de faïence crue, fil, tubes de cuivre, collier de canalisation en acier, dimensions variables (collier de 23 mètres de long), pièce unique

Guillaume Lépine,Pâtisserie (12 x 16) #1, 2022, peinture acrylique sur panneau de bois, 40,6 x 25,4 cm, pièce unique
Pâtisserie (12 x 16) #2, 2022, peinture acrylique sur panneau de bois, 40,6 x 25,4 cm, pièce unique
Encres marbrées (24), 2022, impression numérique sur tissu (cotton gauze), 139 x 182 cm, pièces uniques
Encres marbrées (12), 2022, impression numérique sur tissu (cotton canvas), 139 x 182 cm, pièces uniques
Encres marbrées (2), 2022, impression numérique sur tissu (cotton gauze), 139 x 182 cm, pièces uniques

Guillaume Lépine,Pâtisserie (12 x 16) #1, 2022, peinture acrylique sur panneau de bois, 40,6 x 25,4 cm, pièce unique
Pâtisserie (12 x 16) #2, 2022, peinture acrylique sur panneau de bois,
40,6 x 25,4 cm, pièce unique
Encres marbrées (24), 2022, impression numérique sur tissu (cotton gauze),
139 x 182 cm, pièces uniques
Encres marbrées (12), 2022, impression numérique sur tissu (cotton canvas),
139 x 182 cm, pièces uniques
Encres marbrées (2), 2022, impression numérique sur tissu (cotton gauze),
139 x 182 cm, pièces uniques

Guillaume Lépine,Pâtisserie (12 x 16) #2, 2022, peinture acrylique sur panneau de bois, 40,6 x 25,4 cm, pièce unique
Encres marbrées (24), 2022, impression numérique sur tissu (cotton gauze),
139 x 182 cm, pièces uniques
Encres marbrées (12), 2022, impression numérique sur tissu (cotton canvas),
139 x 182 cm, pièces uniques
Encres marbrées (2), 2022, impression numérique sur tissu (cotton gauze),
139 x 182 cm, pièces uniques
Clarissa Baumann, Spiralooping, 2017, vidéo HD, boucle, couleur, son, 3’30’’, édition de 5 + 2 EA
Emmanuel Tussore, Tas de béton, 2021, installation de sculptures en béton, dimensions variables, pièces uniques
Zohreh Zavareh, Costume d’intranquilité pour le personnage principal, 2021, tissu,
peinture acrylique, chaise en bois, dimensions variables, pièces uniques
Emmanuel Tussore, Tas de béton, 2021, sculpture en béton, dimensions variables, pièce unique
Marcos Avila Forero, Arquitecturas de la memoria, 2013, photographie contrecollée sur aluminium, encadrement en bois, caisse américaine, 40 x 60 cm, édition de 30 + 3 EA. Récit, édition Les Amis du Palais de Tokyo / GDM… pièce unique.
Collection Artothèque de Brest

Mijung Shin, Bam Island, 2020, vidéo à chaine unique, couleur, son, 19’41”, édition de 5 + 1 EA

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73-75 rue Quincampoix 75003 Paris France
mardi – samedi 14h – 19h et sur rendez-vous
tél : +33 (0)1 42 77 05 97
www.galeriedohyanglee.com

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NEWS

Dohyang Lee — Fri, 07 Aug 2020 15:13:35 +0000

NEWS

CLARISSA BAUMANN

ARTFEM II- Biennal of Macau
Exposition collective sous le commissariat de Leonor Veiga
30.09 – 13.12.2020
Macao Museum of Art, Macao

Passarada
Performance dans l’exposition collective Rituelles
10.2020 – 01.2021
Institut d’Art Contemporain Villeurbanne / Rhône Alpes, Villeurbanne, France

JENNY FEAL

Places to be
Exposition collective sous le commissariat de Nathalie Viot
25.06.2020 – 02.01.2022
Fondation d’entreprise Martell, Cognac, France

VIOLAINE LOCHU

Modular K
Exposition personnelle et performance sous le commissariat de Bettie Nin
01.10 – 22.11.20
CAC La Traverse, Alfortville, France

Légère et Mouvante
Duo avec Joao Fiadeiro sous le commissariat d’Eric Mangion dans le cadre de l’exposition Moving Things
17.10 – 28.12.20
Centre National d’Art Contemporain Villa Arson, Nice, France

CHARLOTTE SEIDEL

le bruit des choses
Exposition personnelle
10.10 – 14.11.2020
Galerie Dohyang Lee, Paris, France

RADOUAN ZEGHIDOUR

Acquisition des oeuvres Evasion I, Evasion II
et Evasion III
Session 2020
Fonds d’art contemporain – Paris Collections, Paris, France

Comme un parfum d’aventure
Exposition collective sous le commissariat de Matthieu Lelièvre et Marilou Laneuville
07.10.2020 – 03.01.2021
MAC Lyon, Lyon, France

Radouan Zeghidour Finaliste Prix SAM Art Projects 2020

Article de presse dans Le Quotidien de l’Art n°2044

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73-75 rue Quincampoix 75003 Paris France
mardi – samedi 11h – 13h // 14h – 19h
tél : +33 (0)1 42 77 05 97
www.galeriedohyanglee.com

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Madeleine

Dohyang Lee — Thu, 05 Mar 2020 14:26:02 +0000

‘madeleine’

avec
Alexandra Riss, Clarissa Baumann, Doyeon Gwon, Elisabeth S. Clark, Jenny Feal,
Yue Yuan, Emmanuel Tussore, Kihoon Jeong, Minja Gu, Namhee Kwon

23.05 – 25.07.2020

article de Maya Sachweh sur Artaïs Contemporain

article de Anne-Cécile Sanchez sur le Journal des Arts n° 548

“ Et tout d’un coup le souvenir m’est apparu. Ce goût c’était celui du petit morceau de madeleine que le dimanche matin à Combray, quand j’allais lui dire bonjour dans sa chambre, ma tante Léonie m’offrait après l’avoir trempé dans son infusion de thé ou de tilleul. La vue de la petite madeleine ne m’avait rien rappelé avant que je n’y eusse goûté; peut-être parce que, … , leur image avait quitté ces jours de Combray pour se lier à d’autres plus récents; peut-être parce que de ces souvenirs abandonnés si longtemps hors de la mémoire, rien ne survivait, tout s’était désagrégé… ”*
L’exposition intitulée madeleine, aborde les notions de la mémoire, du temps passé, du temps présent, du temps futur, du matériel et de l’immatériel. Les artistes présentés proposent chacun à leur manière leur interprétation, dont on peut tirer certaines rencontres. L’invocation des souvenirs, qui peuvent être travaillés comme des matériaux figés ou continus. Le travail sur la mémoire des êtres vivants ou non vivants, dans une perspective archéologique, essentielle ou historique. Les effets du temps, les paradoxes sur les sensations, la matérialité de l’objet sont pris en compte.

Alexandra Riss, née en 1992 à Clamart, vit à Paris et Tours. Elle obtient son diplôme en 2016 à l’Ecole Supérieure d’art et de design Tours – Angers – Le Mans. En 2019, elle expose au 64ème Salon de Montrouge où elle obtient le Prix Kristal. Les œuvres d’Alexandra Riss oscillent entre observation du réel et construction d’une fiction. Elle dispose souvenirs et objets qui l’entourent dans des compositions vibrantes, convaincue que le meilleur moyen de s’adresser aux autres est de partir de sa propre expérience. Dans cet espace de rêve, l’ensemble des objets sont des facettes d’une réalité intime de l’artiste. À l’image des faits héroïques qui fondent un personnage de légende, c’est la mise en scène évoquée, narrée ou juste imaginée qui révèle le pouvoir des choses. Loin de n’être que des accessoires, les objets deviennent acteurs, témoins, passeurs d’histoires muettes. L’œuvre est finalement tout cela : elle est une histoire, elle est du temps et des états successifs, elle est à la fois une présence matérielle et immatérielle.

Clarissa Baumann (1988) est une artiste née à Rio de Janeiro. Elle possède une double formation, étant diplômée de École Supérieure des Arts Décoratifs de Rio de Janeiro et de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Elle a aussi suivi une formation en danse contemporaine reçue dans l’Ecole Angel Vianna. Clarissa Baumann est lauréate du Prix des Fondations des Beaux Arts de Paris et du Prix ADAGP des Arts Plastiques en 2016 décernés lors du Salon de Montrouge.
Transitant entre le dessin industriel, les arts plastiques et la danse, sa recherche interpelle le lieu du corps et des actions quotidiennes au milieu d’une conception constructiviste et fonctionnel du monde. Prenant souvent la forme d’un jeu entre des processus éphémères et différents médias qui questionnent les limites entre le visible et l’invisible, son travail se construit à partir d’actions intervenant sur des contextes et des relations déjà existantes. Poussées jusqu’à leur dépassement ou jusqu’à leur disparition, les multiples dimensions du geste questionnent notre rapport à l’échelle humaine dans un monde contemporain chaque fois plus complexe : Quel est l’origine d’une action ? Quels sont ses déroulements temporels et spatiaux ? Jusqu’où est-elle visible ? Comment continue-t-elle à exister ?

Doyeon Gwon est un artiste coréen, né en 1980, qui vit et travaille à Séoul. Il a suivi un cursus en littérature germanique à l’université Hanyang puis a obtenu un diplôme en arts photographiques à l’université Sangmyung de Séoul, en 2016. En 2019 son travail a été récompensé par le Ilwoo Photography Award. Gwon explore les relations entre le savoir, la mémoire, le visuel et le langage à travers le médium de la photographie. L’artiste exprime les sujets qui se transforment en perdant leur fonction première en tant qu’objets de photographie. En ne laissant que l’enveloppe extérieure, cet objet entre en harmonie avec sa temporalité. Doyeon Gwon utilise moins le médium de la photographie pour archiver le temps qui composé de matérialité, que pour revisiter l’objet de photographie qui a servi d’archive.

Elisabeth S. Clark, née en 1983, vit et travaille à Londres et en France. Elle est diplômée de la Slade School of Fine Art en 2008, et du Goldsmiths College (Londres) en 2005. Sa participation à la Biennale de Lyon 2017 “Les Mondes Flottants” a été remarquée.
La pratique artistique d’Elisabeth S. Clark s’engage dans des processus de traduction, à la fois physiques et linguistiques, favorisant une perception sensible de notre environnement et des espaces que nous occupons. En transformant la poésie en une expérience visuelle, sensuelle et imaginative, elle propose de reconsidérer la matérialité du langage même ainsi que l’expression qu’il suscite. De cette façon, le langage va au-delà de lui-même pour voir, penser et ressentir dans l’immobilité.

Jenny Feal (1991, La Havane) vit et travaille entre Lyon et La Havane. En 2016, elle est lauréate du Prix Renaud pour son installation Te imaginas. Son œuvre Pienso que tus versos son flores que llenan tierras y tierras a été exposée au MAC Lyon lors de la Biennale de Lyon Là où les eaux se mêlent, en 2019. Pour elle, les objets participent de notre vie ordinaire et témoignent d’un parcours non seulement physique ou fonctionnel, mais aussi symbolique. Par leur reproduction ou leur détournement, une distance et des expériences d’étrangeté sont provoquées chez le spectateur. La fine frontière entre l’intime et le collectif est établie par l’introduction de thématiques et d’objets banals du quotidien chargés de plusieurs dimensions : symbolique, historique, sociale et politique. Cuba est pour l’artiste un référent et une source inépuisable.

Yue Yuan est né en 1989 en Chine. Il vit et travaille actuellement à Paris. En 2019, il a obtenu son diplôme à l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris. En 2019, l’artiste a remporté le Prix Agnès b. pour l’art contemporain. Il a été sélectionné pour la 68ème édition de Jeune Création (2018) et le 65ème Salon de Montrouge (2020). Yue Yuan cherche à donner une attention particulière aux moments triviaux de la vie quotidienne. C’est en effet la notion de perception spatiale qui conduit toute l’oeuvre, déployée en installations, photographies, actions et sons. Dans son parcours, la reconstruction de l’expérience urbaine est accentuée dans ses interventions sur place, il tisse un lien fort avec son contexte. Ces histoires, à travers ses observations personnelles et son engagement conceptuel, mettent en scène la vie quotidienne dans un univers de l’absurdité, de magie, de poésie et d’humour.

Emmanuel Tussore, né en 1984, est un artiste français. Formé à l’Institut d’Estudis Fotografics de Catalunya à Barcelone, il a reçu en 2018 la mention spéciale du Prix Levallois – Jeune création photographique internationale. Il s’intéresse à la notion de déplacement et bouscule l’idée même de frontière. Sa pratique mêle photographie, vidéo, sculpture, dessin, installation et performance. Tussore se nourrit de l’histoire et de son actualité pour proposer sa vision d’un monde tragique, dans lequel la notion de disparition est prépondérante.

Kihoon Jeong est né en 1980 et vit et travaille actuellement à Séoul, en Corée du Sud. Son oeuvre a fait l’objet de plusieurs expositions à Art Sonje Center, Kumho Museum of Art et Seoul Museum of Art, Séoul (2015), Incheon Art Platform (2014), Art Space Pool et Songeun Art Space, Séoul (2011).
Le monde de l’œuvre de Kihoon Jeong concerne une attitude / action unique qui résiste à un système énorme, à des groupes standardisés, à une culture unifiée et à une réglementation forcée. Ses travaux dévoilent de manière poétique les histoires de temps et de travail, mais affrontent de manière subtile la structure sociale compétitive qui impose célérité et efficacité. En utilisant les outils de construction avec la vitesse pendant les heures de travail, Kihoon Jeong, détruit, dissout, disloque et moud des objets ordinaires à travers des gestes répétitifs.

Minja Gu , est une artiste née en 1977 qui vit à Séoul. Elle a d’abord suivi une formation en philosophie à l’université Yonsei et fut diplômée de la Korean National University of Arts. Elle était en résidence au ISCP studio program, à New York (2011) et au HISK Gent (2015). Minja Gu a reçu le 10ème Annual SongEun Art Award. En 2018, elle fait partie de la sélection de quatre artistes pour le Korea Artist Prize, un prix annuel assorti d’une exposition organisée par le MMCA ( National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea) et la SBS Foundation.
Son travail se compose principalement de performances et vidéos qui revisitent les idées relatives à des objets universels de l’expérience humaine comme le travail, le temps, l’amour. Ses oeuvres nous défamiliarisent des idées reçues perçues comme vérités absolues. L’expérience personnelle de l’artiste dans des lieux de résidence divers, en particulier dans des villes où l’heure d’été est appliquée pour des économies d’énergie, l’a mené à explorer son intérêt pour l’artificialité de la civilisation qui déteint sur le temps, élément naturel.

Namhee Kwon, née en 1971, est une artiste coréenne qui vit et travaille à Paris. Diplômée en 1997 de l’université Hongik de Séoul, elle est ensuite diplômée du Goldsmiths College de Londres en 2002. Elle a bénéficié d’une exposition personnelle A Writer’s Diary à la Cite Internationale des Arts, Paris (2015) et en 2019 au Tenderbooks à Londres. Namhee Kwon est une artiste conceptuelle, intéressée dans la représentation littéraire et des impression poétiques de la vie quotidienne à travers un langage visuel, et utilisant le texte et les symboles afin d’altérer les perceptions visuelles de son environnement.

* PROUST Marcel, Du côté de chez Swann, GF Flammarion, Paris, 1987, p. 140-145

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Doyeon Gwon, Flashsub Memory #Summer Break # 3, 2019, impression jet d’encre sur papier Hahnemühle 310 g, cadre chêne, sous verre,
55 x 73 cm, édition 2 de 5 + 1 E.A
Namhee Kwon, Rencontrons nous à la gare, 2020, tubes néons blancs, 140 x 11 x 7 cm, édition de 3 + 2 E.A
Kihoon Jeong, The origin of chair, 2015, pieds de chaise en bois, dimensions variables, pièce unique
Yue Yuan, Borrowed wish, installation, pièce de monnaie, eau de la fontaine de Trevi, bouteille en plastique, 17,8 x 5 x 5 cm (bouteille),
21 x 29,7 cm (papier), pièce unique. Photo © Aurélien Mole

Clarissa Baumann,
Cuillère, 2016, livre, photographies, photocopies, 27 pages, dimensions variables entre 21 x 42 cm et 21 x 1500 cm, édition de 5 + 2 E.A. Production Fondation d’Entreprise Hermès
Cuillère, 2015, cuillère argent modèle Virgule de l’atelier Puiforcat, 21cm, l argent 1 mm x 15 m enroulé sur une bobine en bois 25 cm diamètre x 41 cm, caoutchou noir, pièces uniques. Production Fondation d’Entreprise Hermès
Cuillère, 2017, pièce sonore, son stéréo, 5’47’’, édition de 5 + 2 E.A. Clarissa Baumann (captation sonore), Olavo Vianna, (composition et mixage), Louise Leverd (violoncelle). Photo © Aurélien Mole

Doyeon Gwon, Traveller Novice #1, 2011, impression jet d’encre sur papier Hahnemühle 310 g, cadre chêne, sous verre, 55 x 55 cm,
édition de 7 + 1 E.A
Author Annual Report #, 2015, impression jet d’encre sur papier Hahnemühle 310 g, cadre chêne, sous verre, 55 x 55 cm, édition 4 de 5 + 1 E.A
Namhee Kwon, A Writer’s diary / book, 2019, Impression sur papier du recopiage manuel par l’artiste du journal intégral de Virginia Woolf, 295 pages chaque exemplaire, 14.8 x 21.2 x 2 cm chaque exemplaire, édition de 33 + 3 E.A
Jenny Feal, Diario (Journal), 2016, argile, émail, 30 – 35 cm diamètre chaque pièce, pièces uniques
Elisabeth S. Clark, Billets doux, 2018, 2 coquilles, eau, encre violette provenant de deux billets doux, papier, 20 x 11,5 cm l’installation,
série de pièces uniques
Prenons ce temps, 2011, lettre manuscrite, enveloppe, Encre de la Tête Noire (J. Herbin), 22 x 11 cm, pièce unique
Namhee Kwon, When you cry … I will cry too…, 2019, installation, sérigraphie sur mouchoir en tissu, 46 x 46 cm (par mouchoir),
série de pièces uniques
Doyeon Gwon, Flashsub Memory #Summer Break # 3, 2019, impression jet d’encre sur papier Hahnemühle 310 g, cadre chêne, sous verre,
55 x 73 cm, édition 2 de 5 + 1 E.A
Namhee Kwon, Rencontrons nous à la gare, 2020, tubes néons blancs, 140 x 11 x 7 cm, édition de 3 + 2 E.A
Kihoon Jeong, The origin of chair, 2015, pieds de chaise en bois, dimensions variables, pièce unique
Yue Yuan, Borrowed wish, installation, pièce de monnaie, eau de la fontaine de Trevi, bouteille en plastique, 17,8 x 5 x 5 cm (bouteille),
21 x 29,7 cm (papier), pièce unique
Minja Gu, 2019 – 2020, série de 19 tirages photographiques noir et blanc sur papier supérieur jet d’encre spécial mat 180 g, 20 x 30 cm,
édition de 5 + 1 E.A. Photo © Aurélien Mole

Namhee Kwon, A Writer’s diary / book, 2019, Impression sur papier du recopiage manuel par l’artiste du journal intégral de Virginia Woolf, 295 pages chaque exemplaire, 14.8 x 21.2 x 2 cm chaque exemplaire, édition de 33 + 3 E.A
Jenny Feal, Diario (Journal), 2016, argile, émail, 30 – 35 cm diamètre chaque pièce, pièces uniques. Photo © Aurélien Mole

Namhee Kwon, When you cry … I will cry too…, 2019, installation, sérigraphie sur mouchoir en tissu, 46 x 46 cm (par mouchoir),
série de pièces uniques
Doyeon Gwon, Flashsub Memory #Summer Break # 3, 2019, impression jet d’encre sur papier Hahnemühle 310 g, cadre chêne, sous verre,
55 x 73 cm, édition 2 de 5 + 1 E.A
Namhee Kwon, Rencontrons nous à la gare, 2020, tubes néons blancs, 140 x 11 x 7 cm, édition de 3 + 2 E.A
Kihoon Jeong, The origin of chair, 2015, pieds de chaise en bois, dimensions variables, pièce unique
Yue Yuan, Borrowed wish, installation, pièce de monnaie, eau de la fontaine de Trevi, bouteille en plastique, 17,8 x 5 x 5 cm (bouteille),
21 x 29,7 cm (papier), pièce unique
Minja Gu, 2019 – 2020, série de 19 tirages photographiques noir et blanc sur papier supérieur jet d’encre spécial mat 180 g, 20 x 30 cm,
édition de 5 + 1 E.A `
Doyeon Gwon, Flashsub Memory #Summer Break # 5, 2019, impression jet d’encre sur papier Hahnemühle 310 g, cadre chêne, sous verre, 55 x 73 cm, édition 2 de 5 + 1 E.A. Photo © Aurélien Mole

Minja Gu, 2019 – 2020, série de 19 tirages photographiques noir et blanc sur papier supérieur jet d’encre spécial mat 180 g, 20 x 30 cm,
édition de 5 + 1 E.A. Photo © Aurélien Mole

Minja Gu, 2019 – 2020, série de 19 tirages photographiques noir et blanc sur papier supérieur jet d’encre spécial mat 180 g, 20 x 30 cm, édition de 5 + 1 E.A. Photo © Aurélien Mole

Elisabeth S. Clark, After a long time or a short time, 2019, aluminium, dimensions variables, série de pièces uniques
Alexandra Riss, Diaphragme, 2018, objet performatif, broderie sur tissu, 89 x 62 cm, pièce unique. Enregistrement sonore boucle, 17’31’’,
pièce unique. Photo © Aurélien Mole

Elisabeth S. Clark, After a long time or a short time, 2019, aluminium, dimensions variables, série de pièces uniques

Alexandra Riss, Diaphragme, 2018, objet performatif, broderie sur tissu, 89 x 62 cm, pièce unique. Enregistrement sonore boucle, 17’31’’, pièce unique
Kihoon Jeong, Time beyond the clock, 2015, miroir en poudre, miroir, 60 x 50 cm, pièces uniques
Yue Yuan, As far as you can touch, Antipode de Paris, 2020, texte imprimé sur vinyle blanc
collé par terre, environ 100 x 100 cm, pièce unique
Emmanuel Tussore, 2020, série de 13 impressions jet d’encre pigmentaire, cadre chêne, sous verre, 20 x 20 cm (sans cadre), 24,5 x 24,5 cm (avec cadre), édition de 7 + 2 E.A
Namhee Kwon, - 3-, 2011, tube néon blanc, 20 x 8 x 7 cm, édition de 3 + 2 E.A
Photo © Aurélien Mole

Yue Yuan, As far as you can touch, Antipode de Paris, 2020, texte imprimé sur vinyle blanc
collé par terre, environ 100 x 100 cm, pièce unique
Emmanuel Tussore, 2020, série de 13 impressions jet d’encre pigmentaire, cadre chêne, sous verre, 20 x 20 cm (sans cadre), 24,5 x 24,5 cm (avec cadre), édition de 7 + 2 E.A.
Photo © Aurélien Mole

Emmanuel Tussore, 2020, série de 13 impressions jet d’encre pigmentaire, cadre chêne, sous verre, 20 x 20 cm (sans cadre),
24,5 x 24,5 cm (avec cadre), édition de 7 + 2 E.A.

Yue Yuan, As far as you can touch, Antipode de Paris, 2020, texte imprimé sur vinyle blanc
collé par terre, environ 100 x 100 cm, pièce unique
Kihoon Jeong, Time beyond the clock, 2015, miroir en poudre, miroir, 60 x 50 cm, pièces uniques
Emmanuel Tussore, Promenade de digestion, 2020, impression jet d’encre pigmentaire, cadre chêne, sous verre, 20 x 20 cm (sans cadre), 24,5 x 24,5 cm (avec cadre), édition de 7 + 2 E.A
Namhee Kwon, - 3-, 2011, tube néon blanc, 20 x 8 x 7 cm, édition de 3 + 2 E.A

Doyeon Gwon, The art of shovel, 2015, vidéo documentaire, noir et blanc, son, 5’05’’, édition de 5 + 1 E.A

………………………………………………..

73-75 rue Quincampoix 75003 Paris France
mardi – samedi 14h – 19h
tél : +33 (0)1 42 77 05 97
www.galeriedohyanglee.com

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Regreso de otra Amalia

Dohyang Lee — Thu, 13 Feb 2020 11:25:27 +0000

Jenny Feal, Regreso de otra Amalia, 2018, HD video, color, monophonic sound, 25’56’’, edition of 5 + 2 AP

Consultation sur demande

BIENNALE DE LYON 2019 PHOTOS

dohyang lee — Tue, 01 Oct 2019 09:59:28 +0000

BIENNALE DE LYON 2019

HORS LES MURS AUTOMNE 2019

Dohyang Lee — Thu, 05 Sep 2019 09:46:09 +0000

HORS LES MURS – AUTOMNE 2019

Nuit Blanche

CHARLOTTE SEIDEL

Projection de vidéos

05.10.2019 // 23h00 – 24h00

+ infos

The 6th Jonggeundang Artist Prize

SUN CHOI

nominé au 6th Jonggeundang Artist Prize

Vernissage 19.09.2019
Exposition 19.09 – 30.09.2019

+ infos

Le Fil d’Alerte

MARCOS AVILA FORERO

nominé au 21ème Prix de la Fondation d’Entreprise Ricard

Vernissage 09.09.2019 // 18h30
Exposition 10.09 – 26.10.2019

+ infos // + vues d’exposition

Signal Mouvement

VIOLAINE LOCHU

Exposition personnelle aux Ateliers Vortex

06.09 – 05.10.19

+ infos

Là où les eaux se mèlent

JENNY FEAL

Participation à la 15ème Biennale de Lyon

Vernissage 16.09 – 17.09.2019
Exposition 18.09.2019 – 05.01.2020

+ infos // + vues d’exposition

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73-75 rue Quincampoix 75003 Paris France
mardi – samedi 11h – 13h // 14h – 19h
tél : +33 (0)1 42 77 05 97
www.galeriedohyanglee.com

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Mar oculto

Dohyang Lee — Mon, 29 Apr 2019 10:47:26 +0000

Mar oculto

JENNY FEAL

Vernissage le Samedi 18 Mai 2019 de 18 h à 21 h

Exposition jusqu’au 15.06.2019
Prolongation de l’exposition du 02.07 au 20.07.2019

Avec le soutien aux galeries / exposition du Centre national des arts plastiques.

La référence à une Mar Oculto (mer occulte) est une récurrence troublante dans le travail de Jenny Feal. Tandis que cette expression à la fois sombre et énigmatique fut déjà employée pour désigner d’antérieurs projets de recherche, cette nouvelle référence définit le contexte mouvant et incertain dans lequel la jeune artiste inscrit son exposition. Si la mer désigne naturellement chez cette native de La Havane un environnement omniprésent et isolant, le terme « occulte » induit lui aussi un double sens, à la fois de ce qui est caché et inconnu, dans une acception ésotérique, mais qui peut encore décider de se ternir caché et de se confiner volontairement dans le secret. Cette ambivalence se retrouve dans une exposition qui aborde des sujets à la fois graves et muets, tristes et heureux. Cette expression, Mar Oculto est aussi le titre de l’une des œuvres composée d’un ensemble de gouttes en argile entassées et séchées, illustrant ainsi le principe que chaque œuvre semble porter une mer cachée qui n’existe que dans l’idée, un concept dissimulé qui crée de façon discrète et confinée un lien entre toutes les fragments de ce récit complexe et volontairement masqué derrière des paravents protecteurs. Au-delà de la mer, ce sont toutes les eaux qui sont convoquées. Celles, par exemple, que le visiteur apporte avec son propre corps, élément aussi vital que destructeur, eau cachée et clandestine. L’eau se fait donc souterraine et serpentine pour parcourir et relier toute l’exposition. Elle vient connecter chaque pièce les unes aux autres et pourtant, elle semble s’être totalement évaporée. Elle n’existe plus que par son absence car en disparaissant, elle semble tout relier, car cette exposition se compose de plusieurs œuvres qu’il faut lire à la fois indépendamment et en relation intime les unes avec les autres.

Le visiteur est tout d’abord accueilli par un texte écrit par l’artiste. Ce texte, c’est l’histoire des cococitoyens, une fiction, un récit de dunes de sables et des habitants d’une île qui n’ont paradoxalement jamais vu la mer. Leur vie en autarcie est fonctionnelle mais ils vivent enfermés. Tout ce petit écosystème vit sous la houlette d’une autorité distante et leur seul salut serait qu’un ouragan vienne les emporter. L’isolation économique et politique grève la vie de ces résidents et si certains ne questionnent pas leur situation, les plus jeunes finissent par s’interroger, échanger, et finalement rechercher cet ouragan. Ce récit transcrit en termes volontairement transparents son expérience personnelle sur l’île de Cuba. L’angoisse est bien réelle et l’exposition se construit telle une succession de récits qui illustrent à la fois les espoirs et les limites ressenties par sa génération. Chaque élément illustre cette problématique complexe de la domination politique et de la tension entre le renoncement et la volonté d’un ailleurs géographique, temporel ou contextuel. Chaque objet contribue à enrichir ce sentiment général d’enfermement et d’angoisse, de ce territoire temporaire qu’est la galerie. Les jeunes escrimeurs, par exemple, sont comme les cococitoyens du récit et leur sueur abondante n’est autre qu’une matérialisation de cette eau dépensée, cette substance vitale qui s’évapore en vain puisque l’isolation économique rend leur rêve d’accomplissement sportif quasiment impossible, par le manque de moyen et la privation de leur liberté de mouvement.
D’autres objets, reproduits, fondus en bronze ou encore inventés tel qu’un lit reposant sur des assiettes cassées, semblent évoquer un naufrage ou un impossible repos, tandis qu’un blaireau de rasage qui appartenait à un membre de sa famille, porteur d’espoir et d’accomplissements mais aussi douloureux exemple du prix qu’il arrive parfois de payer pour conquérir sa liberté, a été fondu, immortalisé par sa propre destruction, pour finir par incarner la métaphore politique d’un changement espéré.

Dans l’environnement cubain, l’eau est omniprésente, notamment en tant que frontière territoriale mais l’île est plus spécifiquement incarnée dans son œuvre par la terre et si l’eau et l’argile sont si présentes dans son œuvre, c’est précisément pour la relation qu’ils entretiennent et qui génère toute la tension qui imprègne son travail. La combinaison entre l’argile et l’eau est plus qu’un phénomène plastique, c’est une métaphore de la vie, avec son ambivalence intrinsèque qui réside dans l’absence de vie, c’est à dire la mort. L’argile, matière sensuelle qui fait de l’artiste une démiurge, est omniprésente dans son œuvre. Elle en parle comme d’une matière noble avec laquelle tout devient possible. Ce n’est pas un hasard si la bible nomme le premier homme ha-adam, terme qui désigne la terre ou que la mythologie juive fait émerger le Golem de la terre glaise. Jenny Feal compare ce matériau à la pensée-même, dont elle est une forme de matérialisation, flexible et malléable. Elle peut s’arrêter, être poursuivie, se travaille en étape, sèche, casse… Philosophiquement, l’argile est une forme de matériau en dehors du temps puisqu’elle peut être remodelée à l’infinie. À l’Ecole des Beaux-arts de la Havane, elle se souvient avoir, pour toute première œuvre, réalisé en terre un tube de canalisation qui, vertical, partait du sol pour parvenir jusqu’à sa bouche. Cette canalisation pouvait métaphoriquement transporter de l’eau. Sa première pièce en céramique, une évacuation, incarnait donc déjà cette sensation asphyxiante et violente de la noyade. Ce sentiment n’a pas déserté son vocabulaire et l’exposition Mar Oculto assume une certaine forme de traumatisme.

Certains éléments de l’exposition relèvent du fragment biographique, tandis que d’autres sont de l’ordre du récit fictionnel qu’elle met en place pour traduire des sentiments qui sont liés à son expérience, dont celle de l’insularité et de l’enfermement. L’artiste confie d’ailleurs à l’occasion qu’à l’instant même où elle pose le pied sur une île, quelle qu’elle soit, elle ressent immédiatement ce même sentiment d’asphyxie. Si une certaine forme de tristesse flotte dans l’exposition, comme à la surface de cette mer obscure formée notamment par les gouttes de sueurs, ces sentiments sombres n’existent que grâce à une poésie omniprésente que l’ironie et l’humour viennent augmenter, notamment en commençant par un récit absurde. Si l’histoire des cococitoyens accueille le visiteur et évolue au gré des univers créés par l’artiste, c’est que c’est précisément ce désir de mettre en histoire qui domine son processus de création. La moralité de l’histoire réside aussi peut-être dans le fait que ceux-ci, malgré l’isolation et le confinement, et même précisément à cause de cela, ont toujours la capacité de rêver et qu’ils n’ont pas besoin d’avoir vu l’ailleurs pour être capable de l’imaginer. Chaque objet qui compose cette exposition agit avec le même protocole, ce sont les matérialisations de ces pensées et, en étant le fragment d’une histoire personnelle partiellement partagée, celle de l’artiste mais aussi celle des autres. Ces objets deviennent les dépositaires d’une exploration mentale sans limite. Jenny Feal en appelle alors à chaque visiteur qui doit pouvoir s’approprier cette histoire étrangère dont il n’a pas nécessairement besoin de connaître tous les codes. Les interprétations se croisent dans cette atmosphère si étrange, ce quelque chose d’intuitif et de sensuel auquel la plupart des visiteurs ne peut pas demeurer imperméable.

Matthieu Lelièvre

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Jenny Feal, Los cocoteros (Les cocotiers), 2016, sérigraphie sur toile de jute, 94 x 76 cm, édition de 13 + 2 E.A
Tapis rouge (J’ai peur d’un jour tout oublier), 2019, sculpture, faïence rouge, dimensions variables, série de pièces uniques
Esgrima anónima (Escrime anonyme), 2016, série de tirages photographiques argentique couleur, jet d’encre sur papier adhésif, Dibond contrecollé sur aluminium, 60 x 88 cm, édition de 5 + 2 E.A.
Photo © Aurélien Mole

Jenny Feal, Esgrima anónima (Escrime anonyme), 2016, série de tirages photographiques argentique couleur, jet d’encre sur papier adhésif,
Dibond contrecollé sur aluminium, 60 x 88 cm, édition de 5 + 2 E.A
Vacios y estan (Vides et ils sont là), 2016, série de tirages photographiques argentique couleur, jet d’encre sur papier adhésif, Dibond contrecollé sur aluminium, 88 x 60 cm, édition de 5 + 2 E.A. Photo © Aurélien Mole

Jenny Feal, Mar oculto (Mer occulte), 2019, sculpture, faïence, jute, bois, pièce unique
Patterson, 2016, tirage photographique argentique noir et blanc, jet d’encre sur papier adhésif, Dibond contrecollé sur aluminium,
60 x 88 cm, édition de 5 + 2 E.A
Entrenamiento (Entrainement), 2016, tirage photographique argentique noir et blanc, jet d’encre sur papier adhésif, Dibond contrecollé sur aluminium, 60 x 88 cm, édition de 5 + 2 E.A
Como levitando (Comme en train de léviter), 2016, tirage photographique argentique couleur, jet d’encre sur papier adhésif, Dibond contrecollé sur aluminium, 60 x 88 cm, édition de 5 + 2 E.A. Photo © Aurélien Mole

Jenny Feal, Esgrima anónima (Escrime anonyme), 2016, série de tirages photographiques argentique couleur, jet d’encre sur papier adhésif,
Dibond contrecollé sur aluminium, 60 x 88 cm, édition de 5 + 2 E.A
Los cocoteros (Les cocotiers), 2016, sérigraphie sur toile de jute, 94 x 76 cm, édition de 13 + 2 E.A
Tapis rouge (J’ai peur d’un jour tout oublier), 2019, sculpture, faïence rouge, dimensions variables, série de pièces uniques. Photo © Aurélien Mole

Jenny Feal, Tapis rouge (J’ai peur d’un jour tout oublier), 2019, sculpture, faïence rouge, dimensions variables, série de pièces uniques.
Photo © Aurélien Mole

Jenny Feal, Tratando de acostarse sin hacer un pliego (Essayer de se coucher sans faire un pli), 2019, faïence rouge, tissu, bois, matelas, dimensions variables d’environ 100 x 200 x 68 cm, pièce unique.
Photo © Aurélien Mole

Jenny Feal, Córtate la barba (Coupe-toi la barbe), 2015, bronze, journaux, acier, miroir, dimensions variables, série de pièces uniques.
Photo © Aurélien Mole

Jenny Feal, Regreso de otra Amalia (Retour d’une autre Amalia), 2018, vidéo HD, couleur, son monophonique, 25’56’’, édition de 5 + 2 E.A.
Photo © Aurélien Mole

Participation de Jenny Feal à la 15ème Biennale de Lyon 2019
Là où les eaux se mêlent
Musée d’Art Contemporain de Lyon, Lyon, France

18.09.2019 – 05.01.2020

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73-75 rue Quincampoix 75003 Paris France
mardi – samedi 11h – 13h // 14h – 19h
tél : +33 (0)1 42 77 05 97
www.galeriedohyanglee.com

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Protégé : Regreso de otra Amalia – vidéo

Dohyang Lee — Wed, 30 Jan 2019 16:41:58 +0000

Le temps des pommes

Dohyang Lee — Sun, 05 Aug 2018 22:05:11 +0000

Le temps des pommes

Collaboration entre la Galerie Dohyang Lee et l’espace d’art contemporain ETE 78, Ixelles, Belgique

avec Louis-Cyprien Rials, Marcos Avila Forero, Paula Castro, Jenny Feal,
Charlotte Seidel, RohwaJeong, Kihoon Jeong, Yangachi, Afour Rhizome, Sun Choi

Vernissage le Samedi 15 Septembre 2018 à l’espace d’art contemporain ETE 78, Ixelles, Belgique
15.09 – 06.10.2018
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Ouvert les samedis 22.09, 29.09, 06.10 / 14h – 18h et sur rendez vous

Le titre de l’exposition Le temps des pommes fait une référence à la chanson Le temps des cerises *, écrite par Jean Baptiste Clement ( 1836 – 1903 ) en 1867. Cette chanson chante l’été, la beauté de la nature et la nostalgie d’un temps perdu, à l’origine. Elle est ensuite associée à la Commune de Paris **, à cause de son auteur, qui y a participé.
“ Changer le monde, changer la vie pour le bonheur de tous ”, tel fut le rêve des personnes y ayant participé. Pour l’exposition Le temps des pommes les artistes possèdent une réflexion du passé au présent sur le monde et l’histoire sociale, politique, économique, idéologique tout en ayant plus loin une analyse visionnaire.

Né en 1981 à Paris, Louis-Cyprien Rials a étudié le théâtre en France avant de découvrir la photographie au Japon, où il a vécu plusieurs années. Il est le lauréat du Prix SAM PROJECTS 2017.
Son travail rend compte, à travers de photogrpahies et de vidéos, d’un monde sans humains. Tout ce qui reste sont les formes et terrains qui conduisent à la désorientation et la contemplation. Par l’exploration des représentations possibles de paysages issus d’échantillons microscopiques aux images satellites, en changeant l’échelle d’étude, il propose au spectateur un espace aussi libre pour l’imagination que pour les paréidolies. Dans cet univers de l’être oublié et en retraite, cette documentation d’une scénographie abandonnée, de monuments – naturels ou pas – de ruines, de traces inscrites dans la géographie, révèle une partie d’humanité comme vue à travers le prisme de son absence.

Diplômé en 2010 de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, Marcos Avila Forero (né en 1983, à Paris) est invité, en 2017 à la Biennale Viva Arte Viva de Venise (57ème édition) par la curatrice Christine Macel.
La curatrice Daria de Beauvais dit : “ Vidéos, fresques, performances ou installations, les oeuvres de Marcos Avila Forero semblent toujours évoquer un hors-champ : celui d’une rencontre, d’un récit ou d’un parcours dont elles conservent l’empreinte. Ses micro-fictions faites de bric et de broc cherchent moins à démontrer ou documenter qu’à générer une collusion paradoxale entre des temps et des lieux que tout semble opposer. Ce travail tire sa richesse et sa poésie de la fréquentation et du détournement des frontières… À une époque de démultiplication et de dématérialisation des flux, Marcos Avila Forero réinscrit les déplacements et les migrations dans leur durée et leur matérialité, leur redonne un sens et une substance trop souvent négligés… L’humain, que l’artiste place au centre de son oeuvre, est paradoxalement celui qui patiente aux marges, attendant interminablement le bon moment pour sauter le pas.”

Jenny Feal est née en 1991 à La Havane, Cuba et obtient un Master de l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Lyon en 2016. La manière année, elle fut lauréat du prix Renaud pour son installation Te imaginas.
Pour elle, les objets participent de notre vie ordinaire et témoignent d’un parcours non seulement physique ou fonctionnel, mais aussi symbolique. A travers son travail, elle s’approprie des objets existant avec une vie propre et appartenant à un contexte spécifique. Par leur reproduction ou leur détournement, une distance et des expériences d’étrangeté sont provoquées chez le spectateur. La fine frontière entre l’intime et le collectif est établie par l’introduction de thématiques et d’objets banals du quotidien chargés de plusieurs dimensions : symbolique, historique, sociale et politique. Cuba est pour l’artiste un référent et une source inépuisable.

Sun Choi, né en 1973, vit à Séoul, Corée du Sud. Il est diplomé de l’université Hongik, à Séoul en 2003. Il remporta le Grand Prix du SongEun Award en 2013.
Pour Sun Choi “ l’artiste se posait de vagues questions sur l’art. Et il a fait des efforts pour que ces questions soient plus claires et les mettre en pratique. En laissant derrière l’irrationalité passée de l’art contemporain coréen, qui chevauche même son temps, il a trouvé difficile de comprendre ce que l’art est et ce qui doit être appellé artistique. Devant le vague crée par la conception, tournée vers l’Occident, de l’art, la misère de la réalité que vous et moi peuvent témoigner est paradoxalement artistique. Il y’a deux facteurs en conflit, qui existent dans le même temps dans son “travail” qui est présenté comme art : visible et invisible, matériel et immatériel, clair et obscur, artistique et inartistique. Il crée des oeuvres d’art dans l’espoir que “ l’art ” disparaitra.”

RohwaJeong, formé par Yun-hee Noh (Séoul, 1981) et Hyeon-seok Jeong (Séoul, 1981), est un couple d’artistes visuels de Séoul, Corée du Sud. Plus qu’un duo, c’est un être unique et indissociable. Leur travail observe et souligne les relations qui évoluent dans le temps et dans l’espace et s’efforce à les capturer de façon effective. En particulier, ils essaient de sonder les relations humaines et de disséquer les conflits qui naissent entre les individus. C’est une tentative de s’éloigner de la pensée subjective et des regards violents qui interprètent tous les phénomènes alentour avec paresse et a priori. En conséquence, une situation ou un état peut parfois induire des interprétations différentes au regard des relations. En 2019, le duo participe notamment à la 12ème Biennale de Gwangju, Imagined Borders, en Corée du Sud.

Paula Castro, née à Buenos Aires en 1978, vit et travaille dans la même ville. Elle aborde le dessin à travers des concepts composés de points et de lignes. Représentations du domaine de l’imaginaire et du mental, le monde est interprété comme un “ corps ” d’infinis points sur lesquels la surface est en mouvement dans le temps et l’espace. Choses trouvées (sons, photographies, mots, lieux) sont les points de départ de ses oeuvres. Formes et pensées changent constamment et se transforment en un tout organique de lignes et de points, d’idées et de concepts, de lieux imaginaires et réels. Ses dessins sont le résultat d’une modification visuelle ou d’une réunion mystérieuse entre la littérature et le trait.

Charlotte Seidel, née en 1981 à Hambourg, en Allemagne, vit et travaille à Paris. Cette artiste cultive, selon Isaline Vuile, un art sensible de l’invisible, de l’absence et de l’éphémère, intervenant souvent in situ de manière poétique pour magnifier des détails. Créant des petites intensités qui émergent du flot continu d’évènements et d’images qui nous entoure, Charlotte Seidel prend comme matériau le réel de la vie, un quotidien parfois banal, des histoires communes, dont elle isole des éléments connus mais auxquels on ne fait pas forcément attention. Invitant à porter sur notre environnement un regard plus attentif, la pratique de Charlotte Seidel compose, pièce après pièce, quelque chose que l’on pourrait qualifier de poétique du quotidien.

Kihoon Jeong est né en 1980 et vit et travaille actuellement à Séoul, en Corée du Sud. Le monde de l’œuvre de Kihoon Jeong concerne une attitude / action unique qui résiste à un système énorme, à des groupes standardisés, à une culture unifiée et à une réglementation forcée. Son travail commence par la question suivante : que ferions-nous si nous ne sommes pas en mesure de transformer la structure sociale et les coutumes à la dimension collective?
Il va à l’encontre de la vanité, des choses négligées, de l’activité irrégulière et de la logique du marché en tentant de modifier à la minute des unités microscopiques à un niveau partiel et de reculer depuis la logique du pouvoir au sein de la structure sociale.

Yangachi est né 1970 à Busan en Corée du Sud et est diplômé d’un B.F.A en sculpture de l’Université de Suwon et d’une maîtrise en arts médiatiques de l’Université Yonsei, à Séoul. Il s’intéresse à l’écran, au film, à la surveillance. L’artiste accumule des épisodes, recueille des informations et les transforme en “ signes ” pour les éditer par séquence. Il procède ensuite à des superposition de signes et les met dans une relation de fonction explicative. Yangachi étend sa réalité et ses expériences et les reflètent dans la société coréenne contemporaine pour la critiquer.

Afour Rhizome (ou A4 Rhizome ou A4rizm) est un des noms d’artiste choisi par Kyoo Seok Choi (né à Séoul, Corée du Sud, en 1976), diplomé de l’Université Paris VIII. Ce nom plutôt neutre désigne son travail et son projet d’une construction des archives de savoirs, des œuvres d’art et de soi. Le choix de nom pose la question : “ qu’est-ce qu’un artiste ? ”
Une de ses oeuvres s’appelle Boules de Dictionnaire où une feuille du dictionnaire Le Petit Robert “ récupérée ” est transformée en une boule en gardant la visibilité du numéro de page, elle est rangée dans une boîte à bijoux “ récupérée ” et est présentée. Quelques boules sont vendues à la pièce avec un prix fixé librement par l’acheteur au marché aux puces. Les parcours de ces objets, les prix de vente, les dates et les lieux de vente, les noms, les adresses email de l’acheteur et le détail des dépenses sont documentés. Ce document est intégré dans le processus de construction de cette œuvre elle-même et est également exposé en tant qu’élément de l’œuvre.

* NB : https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Temps_des_cerises_(chanson)
** NB : https://fr.wikipedia.org/wiki/Commune_de_Paris_(1871)

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article de presse PointCulture

article de presse Lupita

Avec le support de ÉTÉ 78, du Ministère de la Culture de la République de Corée et du Korea Arts Management Service

Charlotte Seidel, …, 2012 – 2016, livre, impression, relié à la main,
25 x 18,5 x 7,5 cm, édition de 7 + 2 EA
Paula Castro, Embarcaciones indigenas sobre el lago, exposition internationale coloniale Paris 1931, 2011, encre sur papier, cadre,
sous verre, 23 x 29 cm avec cadre, pièce unique
AFour Rhizome, Boules de dictionnaire, 2018, divers matériaux, dimensions variables, pièces uniques
Jenny Feal, Diario (Journal), 2016, argile, émail,
dimensions variables, pièces uniques
Kihoon Jeong, The origin of chair, 2015, pieds de chaise en bois, dimensions variables, pièce unique
Louis-Cyprien Rials, Kanab, 2018, papier peint, deux cadres chêne, gravure, carte postale, verre antireflet, dimensions variables,
édition de 5 + 2 EA
Louis-Cyprien Rials, Mene, Mene, Tekel, Upharsin – Bols, 2015, 3 bols en céramique, pigments noirs, dimensions variables, pièces uniques
Sun Choi, You Can Continue to Breathe at the Ending Point of My Breath, 2011, respiration de personnes d’origine japonaise, encre de Chine sur papier, dimensions variables, pièce unique
Sun Choi, Interrupted voyage, 2018, installation éphémère avec du sel de mer de Corée du Nord. Vidéo documentaire. Photo © Sun Choi

Sun Choi, Naked painting, 2015, toile, 155 x 100 cm, pièce unique
Charlotte Seidel, …, 2012 – 2016, livre, impression, relié à la main,
25 x 18,5 x 7,5 cm, édition de 7 + 2 EA
Paula Castro, Embarcaciones indigenas sobre el lago, exposition internationale coloniale Paris 1931, 2011, encre sur papier, cadre,
sous verre, 23 x 29 cm avec cadre, pièce unique. Photo © Sun Choi

Jenny Feal, Córtate la barba (Coupe-toi la barbe), 2016 , bronze, journaux, acier, miroir, dimensions variables, pièces uniques. Photo © Sun Choi

Sun Choi, Interrupted voyage, 2018, installation éphémère avec du sel de mer de Corée du Nord. Vidéo documentaire. Photo © Sun Choi

RohwaJeong, Three cornered, 2018, impression sérigraphique sur papier, 57 x 76 cm, pièce unique. Acrylique sur toile sérigraphique, lation, dimensions variables, pièce unique
5/4, 2018, impression sérigraphique sur papier, 57 x 76 cm, pièce unique. Acrylique sur toile sérigraphique, lation, dimensions variables, pièce unique. Photo © Sun Choi

Jenny Feal, Córtate la barba (Coupe-toi la barbe), 2016 , bronze, journaux, acier, miroir, dimensions variables, pièces uniques
Jenny Feal, Diario (Journal), 2016, argile, émail, dimensions variables, pièces uniques
AFour Rhizome, Boules de dictionnaire, 2018, divers matériaux, dimensions variables, pièces uniques
Marcos Avila Forero, Archive – Casa perdida 1, 2017, photographie argentique noir et blanc sur papier baryté, 50 x 60 cm, édition de 15 + 3 EA
Marcos Avila Forero, Archive – Casa perdida 2, 2017, photographie argentique noir et blanc sur papier baryté, 50 x 60 cm, édition de 15 + 3 EA
Marcos Avila Forero, Archive – El guia – Cesitar, 2017, photographie numérique couleur sur papier baryté, 80 x 60 cm, édition de 15 + 3 EA
Marcos Avila Forero, Archive – Raspachin, 2017, photographie numérique couleur sur papier baryté, 80 x 60 cm, édition de 15 + 3 EA
Paula Castro, Embarcaciones indigenas sobre el lago, exposition internationale coloniale Paris 1931, 2011, encre sur papier, cadre,
sous verre, 23 x 29 cm avec cadre, pièce unique
Charlotte Seidel, …, 2012 – 2016, livre, impression, relié à la main, 25 x 18,5 x 7,5 cm, édition de 7 + 2 EA
Sun Choi, Naked painting, 2015, toile, 155 x 100 cm, pièce unique. Photo © Sun Choi

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73-75 rue Quincampoix 75003 Paris France
mardi – samedi 11h – 13h // 14h – 19h
tél : +33 (0)1 42 77 05 97
www.galeriedohyanglee.com

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Te imaginas (Tu imagines)

Dohyang Lee — Wed, 25 Jul 2018 14:54:33 +0000

Jenny Feal, Te imaginas (Tu imagines), 2016, vidéo HD, couleur, son monophonique, 4’54’’.

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